Groß Gallery - modern interpretiert

Galerie für postmoderne und zeitgenössische Positionen

In der „Alten Lederfabrik“
Alleestraße 64
33790 Halle in Westfalen

Öffnungszeiten:
Samstag 11:00 Uhr – 16:00 Uhr
oder nach Absprache

Künstler der Postmoderne

Max Ackermann

(1887 Berlin – 1975 Bad Liebenzell-Unterlengenhardt).

Deutscher Maler und Grafiker. Namhafter Vertreter der abstrakten Kunst in Deutschland. Lehre zum Porzellan-Modelleur. 1906/07 mit Empfehlung von Henry van de Velde Freistelle am Großherzoglichen Kunstgewerblichen Seminar in Weimar. Gründung des „Freilichtatelier für Steinarbeiten“, Marmorskulpturen. 1908/09 Besuch der Zeichenklasse von Richard Müller an der Dresdner Kunstakademie. 1909-12 Studium bei Franz von Stuck an der Akademie der Bildenden Künste in München. Ab 1912 Schüler von Adolf Hölzel an der Akademie der bildenden Künste in Stuttgart, Anfänge der abstrakten Malerei. 1915-17 als Soldat im Ersten Weltkrieg verwundet, langer Lazarettaufenthalt. In den 1920er Jahren als Maler in Stuttgart, Gründung einer Lehrwerkstatt für Neue Kunst. Kurzzeitig Zusammenarbeit mit dem Tänzer und Choreografen Rudolf von Laban vom Monte Verità. 1926 Studienreise nach Paris, Bekanntschaft mit dem Architekten Adolf Loos. 1928 Begegnung mit Wassily Kandinsky und George Grosz im Kunsthaus Schaller in Stuttgart. 1929 Teilnahme an der Kunstausstellung zum Vagabunden-Kongress in Stuttgart. Ab 1930 Seminar für Absolute Malerei an der Volkshochschule in Stuttgart. 1932 Gemeinschaftsausstellung mit Ernst Heinrich Graeser und Hans Molfenter im Kunsthaus Schaller. 1936 Anschluss an den Höri-Kreis, Umsiedlung nach Hornstaad am Bodensee. 1937 Diffamierung und Beschlagnahme von Werken in der nationalsozialistischen Aktion „Entartete Kunst“. 1951 Mitglied im Deutschen Künstlerbund ud Teilnahme an dessen Jahresausstellungen. 1957 Verleihung des Professorentitel durch das Land Baden-Württemberg, dauerhafte Niederlassung in Stuttgart. 1964 als Ehrengast der Villa Massimo in Rom, römische Pastellserie. 1974 Heirat mit Johanna Strathomeyer, die er seit 1969 kannte und mit der er nach Bad Liebenzell-Unterlengenhardt umzog.

Antoni Tapies

Antoni Tàpies

gilt als ein Hauptvertreter des Informel und als einer der wichtigsten Künstler Spaniens.

Spätestens in den 1960er-Jahren erlangte Tàpies (1923-2012) sein internationales Renommee.

Er war viermal Teilnehmer der Kasseler documenta (1959, 64, 68, 77) und dreimal der Biennale in Venedig (1952, 54, 93). So häufig kam kaum einem anderen Künstler die Ehre zu, bei diesen wichtigen Kunstereignissen vertreten zu sein.

International haben renommierte Museen umfassende Einzelausstellungen zu Tàpies präsentiert, vom Museum of Modern Art in New York bis zur Kunstsammlung NRW in Düsseldorf. In Barcelona gibt es ein Museum, das alleinig dem Künstler gewidmet ist.

Kunst war für Tàpies (1923-2012) eine Art der meditativen Auseinandersetzung mit seiner Gegenwart und mit der Existenz des Menschen.

»Meine Illusion ist es, etwas weitergeben zu können. Wenn ich die Welt schon nicht verändern kann, so möchte ich wenigstens die Art und Weise verändern, wie die Menschen sie sehen.« – Antoni Tàpies

Einige seiner Bildmotive sind von politischen und gesellschaftlichen Wandlungen seiner Heimat Katalonien inspiriert, die der Künstler in abstrakter Weise verarbeitet. Auch setzte er sich intensiv mit Objekten auseinander. Anfänglich wurde er für seine Mixed-Media-Werke bekannt, in denen er mit Objet Trouvés bzw. mit Fundobjekten oder Naturmaterialien arbeitete. Tatsächlich lassen viele seiner Werke Referenzen zu alltäglichen Gegenständen erkennen, die für Tàpies stellvertretend für den Zeitgeist oder die Gesellschaft der jeweiligen Zeit stehen.

»Meine Malerei ist eine Meditation über die Natur des Menschen.« – Antoni Tàpies

Oftmals intergiert Tàpies in seinen Werken Zeichen wie Kreuze, Mondsicheln, Sterne, Augen. Sie sind symbolisch aufgeladen. Tàpies selbst dazu: „Ich verwende in meiner Malerei Symbole, Sinnbilder und Analogien. Es sind einfache Zeichen, doch äußerst beladen mit überlieferten Bedeutungen, so dass selbst eine Platzierung in einer Ecke dem Gesamtbild eine starke Wirkung geben kann.“ Diese Elemente und Zeichen verweisen auf existenzielle Themen wie etwa Leben und Tod oder Kreislauf des Lebens.

In den Werken und Grafiken von Tàpies tauchen immer wieder Buchstaben auf. Sie haben eine persönliche Bedeutung für den Künstler. Die Buchstaben A und T sind die Initialen seines Namens. Das T steht aber auch für seine Frau Teresa und das A für ihn selbst, Antoni. Tàpies integriert sie, um übergeordnet zwischenmenschliche Verbindungen zu thematisieren. Der Einsatz von Buchstaben und Schrift bei Tàpies ist weitreichend, mal ist es ein lesbarer Appell, mal beinfinden sich Schriftzeichen im Übergang zur Unleserlichkeit und zur Kritzelei. Die Kritzelei ist zu verstehen als ein spontaner, intuitiver künstlerischer Ausdruck. Tàpies faszinierte das Intuitive. Es äußert sich bei ihm in einem gestischen, schnellen Malstil.

Die Kunstwerke von Tàpies entziehen sich einer einfachen Interpretation. In machen Werken konfrontiert der Künstler den Betrachter mit einem hohen Maß an Abstraktion. Nicht immer lassen sich alle Elemente eines Bildes erschließen, Tàpies spielt mit Uneindeutigkeiten und Doppeldeutigkeiten. Hier ein Kreuz, da ein Auge. Wir versuchen die Symbole zu entschlüsseln, erahnen welche Bedeutungen sie entfalten. Zugleich gelingt es uns kaum, die Werke vollständig zu entschlüsseln.
Und genau darum geht es. Die Werke von Tàpies sind nicht einzig rational zu verstehen, indem ihre Symbole interpretiert werden. Vielmehr erschließen sich die Werke erst in der Gesamtheit – über ihre Wirkung auf den Betrachter und die Assoziationen und Gedanken, die sie in ihm auslösen. Die Werke von Tàpies sind intensiv – sie haben die Kraft des Uneindeutigen und Mystischen!

»Ich denke, ein Kunstwerk soll den Betrachter verwirren, ihn über den Sinn des Lebens nachdenken lassen.« – Antoni Tàpies

Künstlerische Techniken der Druckgrafik, wie der Lithographie, beherrschen nur die wenigsten Künstler. Antoni Tàpies hatte großes handwerkliches Können und gilt als Meister der Druckgrafik.

Neben Antoni Tàpies zählen zur informellen Kunst bzw. zur Kunstrichtung Informel auch Karel Appel, Peter Brüning, K.O. Götz, Hans Hartung, Bernard Schultze oder Emil Schumacher

Salvador Dali

Salvador Dalí

1904-1989 – Jahrhundertkünstler aus Spanien, Hauptvertreter des SurrealismusSeine Provokationen schockierten die Kunstwelt, seine Visionen begeisterten die Massen. Salvador Dalí gehörte zweifellos zu den schillerndsten Persönlichkeiten der Kunstgeschichte. Ob als Maler, Grafiker, Illustrator, Bildhauer, Bühneninszenator oder Schriftsteller – stets betrat Dalí neue Wege und setzte Maßstäbe für bestehende und kommende Generationen.

Für Salvador Dalí ist Malerei die Verbildlichung seiner Fantasie, die durch eine selbst geschaffene Realität angeregt wird. Für ihn sind Träume und Halluzinationen die reale Welt. Die Thematik seiner Werke ist durch die stete Selbsterforschung und den Einfluss von Freuds Psychoanalyse geprägt.Der Hauptvertreter des veristischen Surrealismus begann seine Ausbildung an der Akademie von Madrid, wurde aber wegen seines aufrührerischen Verhaltens von dieser verwiesen. Jedoch studierte er weiterhin die Bilder alter Meister, deren Motivik sich in seinen eigenen Werken wiederfindet. Sein Frühwerk ist geprägt vom Kubismus und dem italienischen Futurismus.Durch Vermittlung Mirós schloss er sich 1928 dem Kreis der Surrealisten an. Dort lernte er Gala, die Muse der Surrealisten, kennen. Sie wurde seine Lebensgefährtin und Modell zahlreicher Bilder.Der vielseitige Künstler befasste sich nicht nur mit Malerei und Bildhauerei sondern auch mit dem Film. Zusammen mit Buñuel entstand 1929 „Der andalusische Hund“. Ein Jahr später folgte sein erstes Buch, in dem er seine „paranoisch-kritische Methode“ erläutert.1940 ging Dalí für acht Jahre in die USA und arbeitete dort hauptsächlich in der Mode- und Werbebranche. Nach Spanien zurückgekehrt, bekannte er sich zum Katholizismus und fügte immer mehr religiöse und mythologische Themen in sein Werk ein.Die bizarren Formen und Figuren in seinen Bildern weichen oft von der Realität ab und werden mit absurden Gegenstandskombinationen zu einer fantastischen Traumwelt verbunden. Dabei besitzen sie trotz allem einen erstaunlichen Realismus. Für Salvador Dalí war ein wesentliches Element seiner Kunst und seines Verhaltens die inszenierte Provokation.

Karl-Otto Götz

Karl Otto Götz (K.O. Götz)

geboren am 22. Februar 1914 in Aachen

Am 19. August 2017 in verstarb er in Wolfenacker.

Der deutsche Maler und Lyriker war ein Hauptvertreter der Abstrakten Kunst und des Informel in Deutschland.

Götz war Professor an der staatlichen Kunstakademie in Düsseldorf, an welcher er unter anderem Gerhard Richter und Sigmar Polke unterrichtete.

Seine Kunst ist weltweit in Sammlungen und Museen vertreten.

Klaus Fußmann

Johann Georg Müller

Johann Georg Müller gehörte zu den wichtigsten deutschen Künstlern der Nachkriegszeit. Der Maler und Grafiker experimentierte über seine gesamte Laufbahn hinweg mit verschiedenen Stilrichtungen und fand seine eigenen Wege in die Abstraktion.

Johann Georg Müller wurde am 17. November 1913 in Ludwigshafen am Rhein geboren. Über Kindheit und Jugend des Sohns eines deutschen Architekten und einer tschechischen Mutter ist kaum etwas bekannt. Zwei Fotografien aus frühen Jahren belegen die Mitgliedschaft in einem Fußballverein und ein Interesse an den technischen Zeichnungen des Vaters, auch besuchte er bereits während seiner Schulzeit abendliche Zeichenkurse an der Freien Akademie Mannheim und beschäftigte sich mit der Fotografie. Trotz der zweifellos vorhandenen künstlerischen Neigungen absolvierte Johann Georg Müller nach dem Abitur 1931 zunächst eine dreijährige Ausbildung zum Zimmermann, ehe er 1935 ein Ingenieursstudium an der Technischen Hochschule Darmstadt begann. Dieses ungeliebte Studium, das er nur auf Wunsch seines Vaters begonnen hatte, brach Johann Georg Müller jedoch rasch wieder ab, um sich in München an der Kunstakademie einzuschreiben. Die prägende Beschäftigung mit den Malern Hans Holbein und Wilhelm Leibl brachten Müller dazu, sich entgegen den elterlichen Erwartungen selbst als hauptberuflicher Künstler zu betätigen.

Johann Georg Müller begann seine Künstlerlaufbahn unter äußerst widrigen Umständen, denn die strikte Kulturdiktatur der Nationalsozialisten brachte zahlreiche Einschränkungen mit sich, von denen auch Müller betroffen war. Auf seine erste Ausstellung im Jahr 1936 in Mannheim folgte 1938 ein Mal- und Ausstellungsverbot, das ihn in seiner künstlerischen Entfaltung massiv behinderte. Ihm blieben nur private Skizzenblöcke sowie Studienreisen nach Italien, Frankreich und in die Tschechoslowakei und regelmäßige Besuche in der Münchener Pinakothek, vor er vor allem die Werke Holbeins und Leibls studierte. Zeitweilig studierte Johann Georg Müller in Paris an der Académie Julian, musste aber mit dem Beginn des Zweiten Weltkriegs nach Deutschland zurückkehren und seinen Militärdienst leisten. 1947 nahm er in der Pfalz seine künstlerische Tätigkeit wieder auf und schuf bis Anfang der 1950er Jahre vor allem Holzschnitte und Radierungen. 1949 beteiligte sich Müller zum ersten Mal an einer Ausstellung der »Arbeitsgemeinschaft Pfälzer Künstler«.

Johann Georg Müller verlegte 1950 seinen Wohnsitz aufgrund eines einjährigen Atelierstipendiums nach Koblenz und widmete sich dort verstärkt der Malerei. Obwohl er sich entgegen den Strömungen seiner Zeit zum Gegenständlichen bekannte, wollte er mit seinen Bildern, die eine Nähe zur Neuen Sachlichkeit und zum Kubismus aufweisen, keinesfalls ein bloßes Abbild der Wirklichkeit schaffen. Vielmehr verfremdete der Künstler seine Motive zu abstrakten Chiffren einer transformierten Wirklichkeit. Seine Grafiken und Gemälde wurden auf zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen im In- und Ausland gezeigt, unter anderem in Frankfurt, München, Hamburg, Paris und Seattle. Für seine Kunst erhielt Johann Georg Müller Preise und Auszeichnungen, darunter 1956 der Pfalzpreis für Malerei und 1983 der Kulturpreis der Stadt Koblenz. Ein Aufenthalt auf Kreta inspirierte den Künstler zu einer ganzen Reihe von Pflanzenbildern. 1965 schloss er sich der Pfälzischen Sezession an.

Johann Georg Müller starb am 20. Juni 1986 in Koblenz.

Otto Piene

Otto Piene war ein bedeutender Wegbereiter der internationalen Lichtkunst. Geboren am 18. März 1928 in Laasphe, absolvierte er sein Kunststudium an den Akademien in München und Düsseldorf. 1957 gründete er gemeinsam mit Heinz Mack die einflussreiche Künstlergruppe ZERO, der sich später auch Günther Uecker anschloss.

Piene experimentierte früh mit immateriellen Bildmitteln wie Licht, Schatten, Luft und Feuer – Medien, die seine künstlerische Handschrift einzigartig machten. Seine sogenannten Feuerbilder beschrieb er selbst als „Überlebensstudien, geformtes aus dem privaten Fegefeuer“. In diesen Arbeiten vereint er Gegensätze wie Materie und Energie, Realität und Imagination.

Der Schaffensprozess selbst – das Malen mit Feuer – war bei Piene so intensiv wie das Werk selbst: Autolack wurde in dicken Schichten aufgetragen, anschließend entzündet und durch Hitze verformt. Die entstehenden Rußspuren und Blasen verleihen den Arbeiten eine dramatische Oberfläche, die jedes Bild zum Unikat macht. Für Sammler und Kunstfreunde, die das Besondere suchen, ist es eine lohnende Überlegung, Otto Piene zu kaufen, um ein Stück dieser Ausdruckskraft dauerhaft zu besitzen.

Ein wiederkehrendes Motiv in Pienes Werk ist der Regenbogen – ein Symbol der Verbindung zwischen Mensch, Natur und Technik. Berühmt wurde seine Projektion eines riesigen Regenbogens in den Nachthimmel zur Abschlussfeier der Olympischen Spiele 1972 in München – ein Meilenstein multimedialer Kunst.

Pienes interdisziplinärer Ansatz, seine enge Zusammenarbeit mit Technikern und Wissenschaftlern, eröffnete der Kunst neue Dimensionen – und inspirierte nachfolgende Künstlergenerationen, darunter Olafur Eliasson. Heute sind seine Arbeiten weltweit in über 200 Museen und öffentlichen Sammlungen vertreten. Internationale Auszeichnungen wie der „Leonardo da Vinci World Award of Arts“ des Weltkulturrats unterstreichen seine Bedeutung.

Bis zu seinem Tod im Jahr 2014 lebte und arbeitete Otto Piene in Düsseldorf, Cambridge und Groton (Massachusetts). Wer ein Werk von ihm erwirbt, bewahrt nicht nur ein Objekt, sondern ein Stück Kunstgeschichte. Wenn Sie darüber nachdenken, Otto Piene Bilder zu kaufen, treffen Sie eine Entscheidung für visionäre Kunst, die Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft miteinander verbindet.

Erich Haeckel

Erich Heckel

(1883-1970) gehört zu den bedeutendsten Künstlern des deutschen Expressionismus.

1905 gründete er mit Ernst Ludwig Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff und Fritz Bleyl in Dresden die legendäre Künstlergruppe „Die Brücke“, zu der später auch Max Pechstein, Emil Nolde und Otto Mueller hinzustießen.

Nach dem Ersten Weltkrieg entwickelte Heckel eine neue, weltzugewandte Klassizität, die mit größerer Naturnähe und einer Aufhellung der Palette einherging. In den 20er Jahren entstanden zahlreiche Landschaftsmotive, darunter die ungewöhnlich große Kohlezeichnung der „Westerholz Mühle“, noch heute ein beliebtes Ausflugsziel in Schleswig-Holstein.

Erich Heckels Arbeiten sind in den führenden Museen und Sammlungen der Welt prominent vertreten.

Zeitgenössische Künstler

Carola Dewor - Malerei

Carola Dewor

Bio

Ich liebe die Malerei auch, weil sie ein unmittelbares, direktes Medium ist; und ich bin fasziniert von der Vielfalt der Ausdrucksmöglichkeiten, die mir das Genre des Interieurs bietet. Es ist das Thema, mit dem ich meine Interpretationen der menschlichen Existenz am besten wiedergeben kann, ein Thema, das jeden in psychologischer, kultureller und sozialer Hinsicht betrifft, denn wir alle brauchen Räume, um zu leben. In meinen Bildern verbinde ich meine Begeisterung für das Malerische mit dem Erzählerischen.

Ideen und Inspirationen finde ich in eigenen Fotografien und auf entsprechenden Plattformen im Internet. Sie zeigen mir in einem unendlichen Strom, wie vielfältig und faszinierend menschliche Lebensformen sind. Allerdings ist eine Fotoreferenz für mich lediglich eine Anregung, um mich in die mir fremden Räume zu versetzen und im Prozess des Malens eigene Interpretationen zu entdecken. Ich nehme mir Zeit, um feinste Farbnuancen zu mischen, die meinen Bildern die wesentliche Stimmung verleihen.

Um von dem Raum und den Dingen in ihm nicht abzulenken, verzichte ich bewusst auf die Darstellung der menschlichen Figur. Dabei finde ich es besonders faszinierend, dass Menschen, die diese Räume einst bewohnt haben oder weiterhin bewohnen, in ihren Spuren und Gegenständen lebendig bleiben. Im Übergang von der Vergangenheit in die Zukunft liegt der Moment zwischen dem Gewesenen und dem Möglichen, der in meinen Bildern erfahrbar wird.

Mit der sinnlichen Schönheit der Malerei, möchte ich das Unsichtbare im Sichtbaren zeigen und Verbindungen zwischen Betrachter und Bild ermöglichen.

Artist Statement

In einem Raum zu sein bedeutet für mich die Zeit, das Licht, die Farben und Dinge in ihm mit allen Sinnen wahrzunehmen. Und ist es nicht erstaunlich, dass diese Empfindungen, durch die Transformation in Malerei, mit anderen geteilt werden kann?

Theora Krummel - Malerei

Theora Krummel: Eine Künstlerin aus dem Münsterland
Theora Krummel, geboren 1965 in Warendorf, ist eine anerkannte deutsche Künstlerin, die heute in Telgte lebt und arbeitet. Ihr künstlerisches Schaffen umfasst sowohl Malerei als auch Fotografie, wobei sie sich durch eine bemerkenswerte Vielseitigkeit in Technik und Thematik auszeichnet.

Werdegang und Künstlerische Entwicklung
Krummels Weg in die Kunst begann mit einer Ausbildung zur Druckvorlagenherstellerin, gefolgt von einem Studium des Grafikdesigns mit Schwerpunkt Illustration in Münster. Von 1994 bis 2001 war sie als freiberufliche Kinderbuchillustratorin tätig, hauptsächlich für den Ravensburger Verlag. Dieser frühe Berührungspunkt mit visueller Gestaltung legte den Grundstein für ihre spätere künstlerische Laufbahn.

Ein entscheidender Schritt war die Gründung ihrer Kunstschule „mal2“ in Telgte im Jahr 2001, die sie über zwei Jahrzehnte erfolgreich leitete. Parallel dazu vertiefte sie kontinuierlich ihre eigenen künstlerischen Fähigkeiten durch zahlreiche Meisterkurse und Weiterbildungen bei namhaften Professoren. Diese intensive Auseinandersetzung mit verschiedenen Techniken und Stilen prägte ihre Entwicklung zu der vielseitigen Künstlerin, die sie heute ist.

Künstlerisches Schaffen und Themen
Theora Krummel ist bekannt für ihre Experimentierfreude und ihr breites Spektrum an Techniken, darunter Zeichnung, Aquarell und Ölmalerei. Eine Besonderheit ihres Schaffens sind fotorealistische Gemälde, die durch ihre Detailgenauigkeit und Ausdruckskraft beeindrucken. Sie zeichnet sich zudem als eine der wenigen Künstlerinnen durch ihre großformatigen Kohlezeichnungen aus, die eine besondere Faszination ausüben. Daneben entstehen aber auch kleinere Arbeiten wie Buntstiftzeichnungen, Porträts und Landschaftsbilder.
Ihre Kunst ist stark von ihrer unmittelbaren Umgebung im Münsterland geprägt, aber auch von Eindrücken ihrer Reisen. Ein wiederkehrendes und faszinierendes Motiv in ihren Werken ist die Darstellung von verlassenen oder verfallenen Orten. Hierbei thematisiert sie auf eindringliche Weise die Kontraste und Veränderungen im Laufe der Zeit, das Zusammenspiel von Verfall und Erneuerung sowie die Spuren, die der Mensch und die Natur an diesen Orten hinterlassen. Ihre Bilder laden den Betrachter ein, über die Geschichte und die Vergänglichkeit nachzudenken.

Ausstellungen und Engagement
Theora Krummels Werke wurden bereits in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen in ganz Deutschland präsentiert. Sie ist Mitglied verschiedener Kunstvereine und Galerien und engagiert sich aktiv in der Kunstszene, beispielsweise im KünstlerinnenForum MünsterLand e.V. und im Kreiskunstverein Beckum-Warendorf. Neben ihrer eigenen künstlerischen Tätigkeit gibt sie ihr Wissen und ihre Erfahrung auch als Dozentin weiter, unter anderem an der Kunstakademie Kolbermoor und an der Europäischen Kunstakademie Trier.
Theora Krummel ist eine Künstlerin, deren Werk sowohl durch technische Brillanz als auch durch eine tiefgründige Auseinandersetzung mit ihrer Umwelt und den Spuren der Zeit besticht.

Joachim Jurgelucks - Bilhauerei

Joachim Jurgelucks

Aloisia Föllmer, Kunsthistorikerin

„Die Konzentration auf das „Weniger“, ist die Grundlage für die betörend reinen Erscheinungsformen

seiner Werke.

Fasziniert von der Vielfalt an Möglichkeiten lotet Joachim Jurgelucks aus, wie eine Form mit einer anderen

kommuniziert. Während des Herstellungsprozesses bewegt er sich permanent um die Skulptur herum, so

entstehen die unterschiedlichen Formen wie aus einem Guss. Denn man soll aus jeder Perspektive

erkennen, dass es sich um einunddieselbe Skulptur handelt. Weiche, runde, spitz zustechende und

abgeflachte Formen überzeugen in ihrer eindringlichen Schlichtheit. Konkave Formen antworten auf

konvexe, geschlossene auf offene. Jurgelucks Plastiken schwingen in ihrer klaren Bewegung zwischen

Spannung und Harmonie, wobei scharfe Kanten die Form klären.(…)

Jurgelucks spricht, was seine Arbeiten betrifft, nicht von Abstraktion. Vielmehr geht es ihm um

„Fokussierung“.

Nichts soll von der klaren Einfachheit der Objekte ablenken.(…)

In ihrer faszinierenden Einheit von Material, Form und Farbe rufen seine Objekte bisweilen gegenständliche

Assoziationen wach z. B. an einen Vogel oder einen Fisch oder an Teile eines Frauenkörpers. Sie öffnen sich

oder kapseln sich ab. Sie strecken sich hoch oder winden sich.

Einige Skulpturen sind in zwei Teile gespalten.

Assoziationen zu realen Dingen können nach Worten des Künstlers zwar eine Hilfe für die Betrachter*innen

sein, sie spielen aber keine Rolle bei der Entstehung seiner Skulpturen.

Denn der Bildhauer lässt sich allein von formalen Aspekten leiten. Diese klärt er zunächst in eher flüchtigen

zeichnerischen Skizzen. Danach schneidet er mit der Kettensäge und dem Stechbeitel seine Skulpturen

sorgsam aus dem Holz heraus.

Die Farbwahl ist nicht festgelegt. Sie setzt intuitive Einfühlung in die Form voraus und unterstützt deren

Wirkung.

Jurgelucks bearbeitet die Oberflächen seiner Holzskulpturen mit bis zu zwanzig Lackschichten, welche er

immer wieder anschleift. Nach dem letzten Schliff verleiht ihnen eine Mischung von verdünntem Öl und

Wachs sanften Glanz.

Auch die Oberfläche seiner Bronzeskulpturen sind besonders gestaltet. Sie sind teils geschliffen, wodurch

ihnen im Subtilen Rohes anhaftet.

Kompromisslose Resultate von Jurgelucks` minimalistischer Spurensuche sind insbesondere seine filigranen

Stahlskulpturen, die an Klarheit, Leichtigkeit und an Entschlossenheit kaum zu überbieten sind.“

Text zur Kunst von Joachim Jurgelucks

In meiner Kunst beschäftige ich mich mit dem Komponieren von Formen und Linien. Jede Komposition ist

Resultat einer permanenten Suche nach einer funktionierenden Form, konzentrierte Fokussierung auf

Einfachheit und Schönheit, Reduktion und Klarheit, zwischen Harmonie und Spannung. Die Fazination

über die Wirkung einer Linie, ob sie ein Werk erhöht oder zerstört, treibt mich an.Regine Wolff, 1. Vorsitzende BBK Osnabrück, Rede zur Ausstellung „still“

Joachim Jurgelucks ist auf der Suche nach der idealen Linie und einer Form, die er als „funktionierend“

beschreibt. Was etwas technisch klingt, hat bei Joachim vor allem mit Gefühl zu tun. Er sagt selbst „Ich fühle

die Form“ und es scheint, er hat da das richtige Gefühl. Seine Skulpturen strahlen eine elegante Leichtigkeit

aus, eine klare Schönheit, als könnte jede nur so und nicht anders aussehen, als wäre genau diese Form in

diesem Stück Holz verborgen gewesen und nun befreit. Das ist für mich eine erstaunliche Vorstellung, dass

diese glatten schimmernden Formen und Linien aus einem Holzklotz entstehen. Es gibt kein

dreidimensionales Modell zur Planung sondern wenige Linien. Kaum zu glauben, dass am Anfang der

Entstehung dieser feinen, geschwungenen, „stillen“ Formen, das Geräusch einer Kettensäge zu hören ist.

Erst danach mit Stechbeitel und Stecheisen und Schicht für Schicht geschieht die Annäherung an die für den

Bildhauer funktionierende Form.

Wichtig ist bei seinen Arbeiten, dass sie nicht Vorhandenes, Gesehenes, Bekanntes abstrahieren. Joachim

Jurgelucks geht es um das Finden von Formen, so dass etwas Neues entsteht.

Zur Person

Joachim Jurgelucks

Geb. 1979 in Paderborn

Lebt und arbeitet in Melle bei Osnabrück

Auszeichnung

2011 Förderkunstpreis 2011 der Stiftung Sparkasse Rietberg im Rahmen des Dr. Wilfried Koch

Kunstpreises

2013 Gewinner des Publikumspreises „Arthur“ der internationalen Kunstausstellung „FormArt“,

Glinde

2017 Nominiert für den Kunstpreis Rastede

2021 Nominiert für den internationalen Andre Evard Kunstpreis der Kunsthalle Messmer

2022 Projektstipendium „Reduktion“, Land Niedersachsen, „Niedersachsen dreht auf“

Werdegang

Autodidakt seit 2005

Freischaffender Künstler und Mitglied im Bund Bildender Künstler seit 2008

Ausstellungen(Auswahl)

2025 2024 2023 Contemporary Art Ruhr, Zeche Zollverein Essen, Galerie Laing, Münster (G)

Art Karlsruhe, Galerie Klüber, Weinheim (G)

„3D“, Skulptur Galerie Osnabrück (G)

„Kunst in der Region“, DA- Kunsthaus, Kloster Gravenhorst (G)

„Crossover“, Kunstverein Melle (G)

Gross/Jurgelucks, Kunstverein Lindern, Lindern (E)

ContemporaryArt Ruhr, Zeche Zollverein Essen, Galerie Laing, Münster (G)

Art Karlsruhe, Galerie Klüber, Weinheim (G)

Kunst in der Region“, DA Kunsthaus, Kloster Gravenhorst (G)“RhineArt“, Skulpturenausstellung, Katherienenhof , Bonn

„kunst.vor.ort“, Galerie Kunstgenuss, Osnabrück

Art Karlsruhe, Gallery Artpark, Karlsruhe (G)

2022 „reflection“, Galerie Laing, Münster (E)

„weniger“, städtische Galerie Landau, Villa Streccius (E)

Art Karlsruhe, Gallery Artpark (G)

Benefizprojekt Galerie Kunstgenuss, Osnabrück (G)

2021 „still“, Kunstquartier Osnabrück (E)

„3D“ , Skulptur Galerie Osnabrück (G)

„Nominiertenausstellung“ des Andre Evard Kunstpreises, Kunsthalle Messmer, Riegel am

Kaiserstuhl

DA Kunsthaus, Kunst in der Region (G)

„Art at home“, Galerie Laing, Münster (G)

2020 „Drei de.“, SkulpturGalerie, Osnabrück (G)

„Kopf oder Zahl“, Kunsthaus Klüber, Weinheim (E)

„konkave Formen antworten auf konvexe“, GalleryArtPark, Karlsruhe (E)

RuhrOpenArt, Schwerte (G)

Art Karlsruhe mit GalleryArtPark, Karlsruhe (G)

„Spectrum“, Galerie Laing, Münster (G)

2019 “Form und Linie“, SkulpturGalerie, Osnabrück (E)

DKKD Festival, Hannoversch Münden (G)

Discovery Art Fair Köln mit GalleryArtPark, Köln (G)

Masterpiece Münster mit Galerie Laing, Münster (G)

Art Karlsruhe mit GalleryArtPark, Karlsruhe (G)

„Formkompositionen“, Galerie Laing, Münster (E)

2018 Skulptur-Galerie, Osnabrück (G)

Kunsthaus Klüber, Weinheim (E)

Kulturnacht Osnabrück, Steinwerk (E)

Ruhr Open Art, Schwerte (G)

Art Karlsruhe mit Janzen Galerie/Düsseldorf (G)

2017 Skulptur-Galerie, Osnabrück (G)

Palais Rastede, Rastede (G)

dkkd Festival, Einbeck (G)

Janzen Galerie, Düsseldorf (E)

Art Karlsruhe mit Janzen Galerie / Düsseldorf

2016 Kunsthaus 57, Osnabrück (G)

DA Kunsthaus, Kloster Gravenhorst (G)

Art Karlsruhe mit Janzen Galerie/Düsseldorf

2015 Temporäre Galerie Hasestraße, Osnabrück (G)

Städtische Galerie Halle Westf. (E)

Art Karlsruhe mit Janzen Galerie/Düsseldorf

2014 Abtei Brauweiler, Pulheim (G)

Galerie Wilhelminenhaus, Kiel (E)

2013 Aurakure, Hamburg (G)

DA Kunsthaus, Klost

„Kunst in der Region“, DA Kunsthaus Kloster Gravenhorst, Hörstel (G

Matthias Gödde - Fotografie

Matthias Gödde,

geboren 1960, ist ein deutscher Fotograf, der in Beckum, Nordrhein-Westfalen, lebt und arbeitet.
Sein Werk, das sich über mehrere Jahrzehnte erstreckt, ist geprägt von einer tiefen Auseinandersetzung mit dem Alltäglichen
und dem Poetischen im Offensichtlichen. Gödde hat sich als aufmerksamer Beobachter seiner Umwelt etabliert,
dessen Bilder zum Nachdenken anregen und die oft übersehene Schönheit und Melancholie des Moments einfangen.

Seine fotografische Ausbildung erhielt Matthias Gödde an der Fachhochschule Münster im Fachbereich Visuelle Kommunikation.
Seitdem hat er eine unverwechselbare Bildsprache entwickelt, die sich zwischen Dokumentarfotografie und freier
künstlerischer Arbeit bewegt. Seine Fotografien zeichnen sich durch eine ruhige, fast meditative Ästhetik aus.
Anstatt flüchtige Momente einzufangen, konzentriert sich Gödde auf die Komposition und die subtilen Stimmungen seiner Motive.
Ein wiederkehrendes Thema in seinem Schaffen ist die Beziehung zwischen Mensch und seiner (urbanen) Umgebung.
In Serien wie „Melancholia“ oder „In Public“ widmet er sich dem einzelnen Individuum im öffentlichen Raum,
oft in Momenten der Isolation oder Kontemplation. Seine Bilder werfen Fragen nach Identität, Vergänglichkeit
und der menschlichen Verfassung in der modernen Gesellschaft auf.
In weiteren Projekten wie „Studies“ oder „Diaphan“ exploriert Gödde abstraktere und konzeptionellere Ansätze.
Hier rücken Farbe, Form und Struktur in den Vordergrund und zeugen von seinem vielseitigen fotografischen Interesse.

Matthias Gödde ist eine feste Größe in der regionalen und überregionalen Kunstszene. Seit dem Jahr 2000 sind seine Arbeiten
regelmäßig in Einzel- und Gruppenausstellungen zu sehen. Er ist Mitglied im renommierten Kreiskunstverein Beckum-Warendorf
und im Pixelprojekt Ruhrgebiet, einer Initiative zur Dokumentation des Wandels der Metropolregion Ruhr.
Seine Werke wurden unter anderem im Museum Abtei Liesborn, im Wissenschaftspark Gelsenkirchen und in zahlreichen Galerien
und Kunstvereinen präsentiert. Für sein Schaffen erhielt er diverse Auszeichnungen, darunter Anerkennungen bei Fotowettbewerben
wie dem Nikon Photo Contest International und dem Kunstpreis Wesseling.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass Matthias Gödde ein Fotograf ist, der mit seinen sensiblen und tiefgründigen Arbeiten
einen wichtigen Beitrag zur zeitgenössischen deutschen Fotografie leistet. Sein Werk lädt dazu ein, die Welt
mit anderen Augen zu sehen und die Poesie im Alltäglichen zu entdecken.

Itamar Yehil -skulpturale Objekte

Wir machen Sommerferien vom 04. – 23. August 2025. Samstag, 30. August wieder geöffnet

Unsere Mission ist es, Sie zu berühren und zu bewegen. Wenn Sie unsere Räume mit einem Wohlgefühl und einer neuen Inspiration wieder verlassen, sehen wir unseren Auftrag als erfüllt an. Die Galerie präsentiert eine sorgfältig ausgewählte Sammlung postmoderner und zeitgenössischer Werke aus Malerei, Bildhauerei und Fotografie. Kunst weckt Emotionen, regt zum Nachdenken an.

Im besten Fall jedoch entführt sie Sie aus Ihrem Alltag direkt in Ihren ganz persönlichen Moment. Tauchen Sie ein in eine Atmosphäre voller Kreativität, Leidenschaft und künstlerischer Vielfalt. Lassen Sie sich von der Arbeit unserer Künstler berühren und erleben Sie Kunst, die Ihre Seele anspricht.

Die Groß Gallery ist ein Ort der Kunst, welcher diese nicht nur zeigt, sondern lebt. Tauchen Sie ein in unsere hellen, lichten Räume im industriellen Charme, historisch spannend: modern interpretiert.

Unsere hauseigene Rahmenwerkstatt verleiht Ihrem Kunstwerk die passende Wirkung. Wie aus Meisterhand in bester Qualität aus Deutschland. Genießen Sie unsere professionelle Beratung. Selbstverständlich kostenfrei.

Wir freuen uns, Sie als unser Gast willkommen heißen zu dürfen.
Ihr Dirk Groß und Team

C.O.: Dirk Groß (Galerist)
Kuratorin: Kirsten Rolf (Kunsthistorikerin)